Äkthet

Äkthet: konsten att inte stå i vägen för sig själv

Vi pratar om det jämt på träningen, vi letar efter det i varje scen som om det vore den heliga Graal, och när det väl finns där känner alla i rummet det direkt: äktheten. Men vad är det egentligen? En muskel man kan träna? Eller en upplysning som drabbar en mitt i uppvärmningen?

Något att ha med från början: äkthet på scenen är en paradox. Vi står där och hävdar att vi är kirurger på Mars eller en familj vid middagsbordet, och ändå kräver publiken att vi ska vara "äkta". När vi försöker "spela äkta" landar vi oftast direkt i kitsch-fällan eller blir stendöda av tristess, eftersom vi anstränger oss så mycket för att verka uppriktiga.

Äkthet är egentligen inget mål man når genom att jobba hårt. Det är snarare det som blir kvar när vi slutar lägga upp ansikten, slå knut på oss själva eller åla in den "roliga impro-clownen". Det handlar om att låta masken falla – även om det till en början känns naket och farligt.

För att du inte bara ska rabbla roller i nästa set utan skapa ögonblick som verkligen går under huden, kollar vi vad de stora namnen i improvärlden säger om saken. Överraskning: var och en har sin egen (och ibland härligt motsägelsefulla) metod.

1. Keith Johnstone: att vara "medelmåttig" som superkraft

Låt oss börja med klassikern. För Keith Johnstone är vår största fiende på scenen lusten att vara originell eller smart. Vi känner alla igen det: du står på scenen, din medspelare säger något, och i ditt huvud rasslar det: "Vad kan jag säga nu så att alla skrattar? Hur kommer jag fram som extra fyndig?"

Det är just där äktheten dör, enligt Johnstone. Varför? För att du i det ögonblicket inte längre är i ögonblicket. Du är uppe i huvudet, filtrerar dina impulser och försöker imponera på publiken. Johnstone svarar krasst: "Försök inte vara originell. Var medelmåttig."

Det självklara är ditt riktiga jag

Pluset är detta: det som för dig är "självklart" eller till och med "tråkigt" är helt unikt för alla andra. Om du bara säger det första som faller dig in, utan att skicka det genom den inre censorn, avslöjar du ditt verkliga tänkande. Det är äkta. Hos Johnstone är äkthet alltså tillåtelsen du ger dig själv att vara "tråkig". Paradoxalt nog är det just därifrån de mest spännande scenerna kommer, för de känns mänskliga i stället för en konstruerad poäng.

Skicka censorn på semester

Som barn var vi alla mästare på äkthet. Vi lekte, skrek, skrattade utan att fråga oss: "Får jag det? Ser det dumt ut?" Genom uppfostran och rädslan för att bli bedömd har vi byggt oss en inre censor. På scenen måste vi släcka den censorn. Den som släpper sig in i ögonblicket och tappar kontrollen visar sina sanna drömmar och rädslor. Ja, det är skrämmande – men det är just det publiken vill se.

2. Del Close: "Truth is funny" – den nakna sanningen

Om Johnstone är improvisationens psykolog så var Del Close dess överstepräst. Hans motto var radikalt: "Truth is funny" (sanningen är rolig). Han var stenhårt övertygad om att vi inte behöver hitta på skämt. Livet i sig själv, i sin oförblommerade ärlighet, är absurt och komiskt nog.

Ingen rädsla för det fula

För Close betydde äkthet att leta efter den emotionella verkligheten. Om du får ett sorgligt besked på scenen – spela inte "rolig sorgsen". Reagera lika sant som du skulle gjort i verkliga livet. Om det betyder att scenen blir mörk, smärtsam eller till och med ful i två minuter – då är det så. Close hatade när spelare "räddade" en äkta känsla med en billig gagg för att de inte stod ut med obehaget i rummet. Äkthet betyder här: mod till tystnad och mod till smärta.

Play at the top of your intelligence

En annan stor punkt hos honom: spela inte dummare än du är. Många improvisatörer flyr in i fjantiga röster eller klyschor (den "dumma bonden", den "dumma blondinen") för att fiska skratt. Det är motsatsen till äkthet. Close krävde: ta med all din kunskap, dina åsikter, ditt intellektuella djup upp på scenen. Var en hel människa, inte en karikatyr. När vi står på scen som "hela personer" ger vi publiken tillåtelse att också släppa sin egen fasad. Det är, för Close, teaterns egentliga mening.

3. Mick Napier: befrielseslaget – "Do something!"

Nu blir det lite vildare. Mick Napier (Annoyance Theatre) har inte tid med för mycket filosofiskt grubblande. För honom uppstår äkthet av självsäkerhet och handling. Hans angreppssätt är en rock-'n'-roll-attack på alla regler som får oss att stelna.

Att stå för sitt "första beslut"

Napier säger: vi verkar ofta oäkta för att vi tvekar. Publiken ser oss tänka ("Ska jag göra det? Är det bra?"). I den stunden av osäkerhet förlorar vi vår närvaro.

Hans lösning: fatta ett beslut omedelbart. Vilket som. Bli arg på en fläck på väggen eller hävda att du är expert på kvantfysik. Genom att kompromisslöst stå bakom din första impuls verkar du äkta. Äkthet är här inte ett djupgrävande i själen, utan att kraftfullt företräda sitt eget beslut utan ursäkt.

Den fysiska sanningen

Ett genialt knep från Napier: om du inte vet vem du är eller hur du ska reagera äkta – börja jobba. Skura golvet, laga en bil, koka en soppa. Genom det fysiska arbetet glömmer huvudet att förställa sig. Din kropp blir äkta för att den har en uppgift. Dina ord följer sedan denna fysiska verklighet helt naturligt. Den som är upptagen har inte tid att grubbla över sin "verkan".

4. Viola Spolin: äkthet genom självglömska

Viola Spolin, theatre-games-mamma, har en nästan teknisk syn på saken. För henne är äkthet en biprodukt av fokus.

Om du har en uppgift som tar dig på allvar (till exempel "rör dig som om luften vore pudding" eller "tala bara på rim") är din hjärna så upptagen med att klara av uppgiften att det inte finns kapacitet kvar att vilja "se bra ut". Du försvinner in i spelet. Denna självglömska är den högsta formen av äkthet. Du är äkta för att du helt enkelt är för upptagen för att ljuga.

5. UCB och Patti Stiles: logik och generositet

Upright Citizens Brigade (UCB) närmar sig ämnet från den analytiska sidan. Äkthet betyder här emotionell konsekvens. När vi bygger en absurd värld måste vi reagera "på riktigt" inom den världen. Om din karaktär är rädd för rostat bröd får du inte spela det som ett skämt – du måste behandla rädslan med samma allvar som en riktig fobi. Publiken skrattar åt det absurda, men de tror på karaktären eftersom du står fast vid din egen logik.

Patti Stiles å sin sida ser äkthet som en gåva till medspelaren. Om jag gömmer mig bakom ironi eller gaggar lämnar jag min medspelare ensam i regnet. Men om jag reagerar äkta och sårbart ger jag hen ett "riktigt" underlag att bygga på. Äkthet är här en handling av generositet: "Jag visar mig för dig så att vi tillsammans kan skapa något sant."

De två vägarna till äktheten

Sammanfattningsvis finns det två huvudströmningar:

Sökarna (Johnstone, Close, Stiles): de säger: "Gräv djupare! Släpp masken, leta efter sanningen i ditt inre, var sårbar." Här är äkthet en upptäckt.
Görarna (Napier, Spolin, UCB): de säger: "Sluta grubbla! Bestäm dig, gör något, lita på din kropp och scenens logik." Här är äkthet ett modigt påstående.

Vilken väg är rätt för dig? Det beror på dagsformen. Ibland måste du gå inåt och hitta modet att vara "naken". Och ibland måste du bara börja skura golvet, så att huvudet slutar stå i vägen.

Hur märker vi egentligen att vi inte är äkta?

Det finns några klassiska varningssignaler – vi kallar dem gärna "äkthets-mördarna":

"Gagg-reflexen": En scen blir känslosam eller allvarlig, och vi avlossar ett skämt för att döda spänningen. Det är en försvarsmekanism. Vi blockar bort den äkta känslan eftersom den skrämmer oss.
"Impro-ansiktet": Du vet det där överdrivna mimspelet där spelaren vill visa hela salen: "Titta så TOTALT arg jag är!"? Det är motsatsen till äkta. En verkligen arg person försöker ofta till och med dölja sin ilska – det är mycket mer intressant att titta på.
"Säkerhetsavståndet" (ironin): När vi kommenterar allt ironiskt i stället för att verkligen gå in i situationen. Vi står liksom bredvid oss själva och säger: "Det är ju bara ett spel." Då dräneras scenen på all betydelse.
Tvekan: Det där "öhh…" innan vi svarar. Det visar att vi just nu bläddrar i katalogen över "bästa möjliga svar" i stället för att lyssna på magen.

Hur vi kan träna det här (hemläxor för huvudet)

Äkthet kan man inte tvinga fram, men man kan förbereda jordmånen. Några ingångar för våra sessioner:

Att omfamna det "tråkiga": Spela scener där absolut inget speciellt behöver hända. Två personer väntar på bussen. Prata om vädret, men menar det. Känn hur kontakten förändras när trycket att vara "rolig" försvinner.
Fysiska uppgifter: Spela scener medan ni gör en krävande fysisk uppgift (armhävningar, montera ett tänkt skåp, måla ett rum). Lägg märke till hur rösten och reaktionerna blir "äktare" eftersom kroppen tar ledningen.
Statusarbete: Pröva hur äktheten förändras när ni rent fysiskt ändrar er status. En hög status som verkligen känns (och inte bara spelas arrogant) landar helt annorlunda hos publiken.
Radikal ärlighet: Pröva övningar som "vad jag verkligen tänker just nu". Säg till din medspelare i rollen (eller till och med strax innan) hur du känner dig. "Jag är rädd att scenen ska gå åt skogen." – Pang, luften är ute, sanningen är i rummet, och vi kan jobba vidare.

Slutsats: våga vara dig själv

I slutändan är äkthet på scenen samma sak som äkthet i verkliga livet: det handlar om förtroendet att du är bra nog som du är. Du behöver inte vara en genial författare, en stand-up-komiker eller en Oscarvinnare.

Publiken har inte kommit för att se en perfekt show. De har kommit för att se människor reagera på riktigt i riskabla situationer. Om du vågar släppa kontrollen lite och bara "vara där", kommer de magiska ögonblicken av sig själva.

Så: masken av, censorn på fikarast, och upp på scenen. Vi ser fram emot ditt riktiga jag!